Une année dans la machine hollywood

Dans The $11 Billion Year, Anne Thompson révèle au lecteur les rouages d’Hollywood, des nouvelles méthodes de fabrication des blockbusters aux négociations en marge des festivals pour

dénicher le film indépendant qui saura se faufiler jusqu’aux Oscars. Vincent Manilève Publié le 04 mars 2019 « Hollywood est un business contrôlé par le service presse le plus sûr du monde 

», explique Anne Thompson, bien connue du milieu cinématographique. Journaliste et critique pour des publications prestigieuses telles que _Variety_, le _New York Times_ ou le _Hollywood

Reporter_, c’est sur son blog _Thompson on Hollywood_ qu’elle détaille au quotidien les coulisses du cinéma _made in USA_. En s’inspirant du livre _The Season_ de William Goldman, qui

faisait le récit d’une saison à Broadway, Thompson a décidé de son côté d’analyser l’année 2012 à Hollywood. Entre blockbusters et cinéma indépendant, entre fuite en avant vers le numérique

et mort programmée de la pellicule, son livre explore une dizaine de thématiques pour se faire témoin des évolutions de ce monde qu’elle connaît sur le bout des doigts. LES FILMS

INDÉPENDANTS EN SURSIS Une année à Hollywood se vit comme une compétition sans temps mort, rythmée par des dizaines de festivals, conventions, cérémonies et récompenses. Et bien avant

Cannes, bien avant la Mostra de Venise ou les Oscars, c’est dès janvier, avec le festival du film indépendant de Sundance, que se lance le marathon. Créé par Robert Redford en 1985, Sundance

s’est toujours positionné comme un soutien de la production indépendante face aux grands studios. Mais le festival n’a pas résisté longtemps à l’appel des majors, qui envoient chaque année

leurs plus fins limiers. Leur objectif à Sundance, comme dans les autres festivals, est simple : trouver la perle rare, à savoir un film peu coûteux mais qui, bien emballé par l’équipe

marketing, rapportera gros. Et les papes du film indépendant sont évidemment les frères Weinstein et leur compagnie de production et de distribution The Weinstein Company (TWC), lancée en

2005. Beaucoup considèrent les Weinstein comme de véritables machines à Oscars. « Ils savent une chose mieux que quiconque sur cette planète : ce que les 5 700 votants de l’Academy of Motion

Pictures Arts and Sciences vont aimer », explique l’auteure. _The Artist_, de Michel Hazanavicius, en est l’exemple parfait. Les Weinstein l’ont imposé dans la compétition officielle et

l’ont ensuite mené, à coup de lobbying bien pensé, jusqu’aux Oscars, sommet du cinéma mondial. De la même façon, l’édition 2012 a vu la naissance d’un futur succès mondial : _Les bêtes du

sud sauvage_. Ce film au budget de 1,5 million de dollars a suscité l’émoi à Sundance. Fox Searchlight Pictures, filiale de Fox, a immédiatement pris le film en main pour assurer sa

distribution et sa promotion à l’étranger. Résultat : des récompenses à Cannes, plus de 20 millions de dollars de recettes, Barack Obama et Oprah Winfrey comme ambassadeurs, et quatre

nominations aux Oscars. > La plupart des films indépendants ne rentreront pas dans leurs > frais de production et de marketing Mais la plupart du temps, sans une puissante compagnie

pour les accompagner, ce genre de films indépendants reste souvent dans l’anonymat. Si de nouveaux moyens de financement, comme le crowdfunding, permettent de réaliser son film, il n’a

jamais été aussi compliqué de trouver un distributeur. Alors beaucoup misent sur la VàD ou le bouche à oreille via les réseaux sociaux… Désormais, beaucoup de jeunes réalisateurs doivent

apprendre eux-mêmes à faire le marketing de leur film et à organiser leur sortie. De nombreux sites permettent à chacun de faire connaître son projet (le site Spec Scout permet par exemple

de noter des scripts) ou de mieux cibler les sorties en salle (Tugg trouve les lieux où le public sera le plus à même d’aller voire votre film). Mais ces modèles restent fragiles, et à la

fin de l’année, selon Anne Thompson, « la plupart des films indépendants ne rentreront pas dans leurs frais de production et de marketing. » Il n’en faut pas plus à l’industrie

hollywoodienne pour se détourner du cinéma indépendant. LE PROFIT À TOUT PRIX Désormais, pour les studios, le but est de limiter les risques. Il faut assurer la rentabilité des films,

qu’importe leur qualité ou leur originalité. Avec les années et toujours plus d’argent dans les caisses (le box office américain a atteint 11 milliards de dollars en 2012, d’où le titre de

l’ouvrage), les patrons de ces grands studios se sont vite tournés vers les financiers de Wall Street et vers des films au potentiel de revenus rapides. « Ils se sont éloignés des films

indépendants et de qualités pour spectateurs adultes », explique Anne Thompson. « Ces films demandaient de longues campagnes de promotions pour susciter l’excitation chez le public. [...]

Pour les studios, le « donner au public ce qu’il veut déjà » est devenu le nouveau mantra. » Ainsi, depuis les années 1990, on voit se multiplier les films basés sur des produits culturels

déjà implantés dans la culture populaire (“_mainstream_”) : comédies musicales, comics, jeux vidéos, jouets et bien sûr livres. Car aujourd’hui, la pierre philosophale des majors s’appelle «

 franchise », ou « _sequel_ ». Disney, Warner et les autres ont compris que faire des films autour d’un personnage ou d’un univers déjà populaire était une véritable mine d’or. Car comme

l’explique Thompson, les acteurs vedettes, à de rares exceptions près, ne sont plus garants du succès d’un film. Désormais le public s’attache à des univers comme Pandora, la planète du film

_Avatar_ ou à des personnages fictifs comme Tony Stark et son double de métal dans _Iron Man. _C’est pour cela que, au cœur des blockbusters, on retrouve justement les super-héros _Marvel_

et _DC Comics_. Le récent succès des _Gardiens de la Galaxie_ - des héros pourtant peu connus du grand public - est venu confirmer cette tendance avec plus de 100 millions de dollars de

recettes en quelques jours aux États-Unis. Le remake des Tortues Ninjas a fait encore mieux quelques jours après. Plus impressionnant encore : entre 2016 et 2020, les studios prévoient au

moins 20 films inspirés par des comics. L’art de creuser le filon jusqu’à l’épuisement. Et pour cela, rien de mieux que le Comic-Con, grand rassemblement geek chaque été à San Diego, pour

promouvoir les futurs blockbusters et allécher un public de fidèles toujours plus large. L'équipe de _The Avengers 2_, venue pour parler du film au Comic-Con, dix mois avant sa sortie.

Mais au-delà des comics, c’est Disney qui a, en termes de franchises, décroché le gros lot. Après avoir racheté _Marvel_ (_Iron Man, Thor, Captain America, The Avengers_…) en 2009, son

patron Robert Iger a réalisé le coup de la décennie en rachetant en 2012 la société Lucasfilm et donc la franchise Star Wars, pour plus de 4 milliards de dollars. Le nouvel opus de la saga,

toujours en tournage, s’annonce déjà comme le plus gros événement cinématographique de l’année 2015. Robert Iger expliquait d’ailleurs en 2012 qu’il préférait payer pour une marque

préétablie plutôt que de risquer quoique ce soit de nouveau. Ce qui confirme l’analyse d’Anita Elberse dans son livre _Blockbusters, Hit-making, Risk-taking, and the Big Business of

Entertainment_. Sur les 26 plus gros succès de l’année 2012, seuls sept étaient des créations originales (les autres étant des sequels, des prequels, des remakes, des adaptations de

comics…), alors pourquoi ne pas continuer ? > Robert Iger préfére payer pour une marque préétablie plutôt que > de risquer quoique ce soit de nouveau La recette secrète des

blockbusters ne marche cependant pas à tous les coups. Disney justement, en a fait les frais avec le cataclysmique _John Carter_ (250 millions de dollars de budget), qui lui vaudra la plus

grosse perte jamais enregistrée à Hollywood, à savoir 200 millions de dollars. Inspiré du roman à succès_ Une princesse de Mars_ publié en 1917 par Edgar Rice Burroughs, son adaptation

n’évoquait pas grand chose aux spectateurs, qui n’ont pas adhéré. Et à l’heure d’Internet, des blogs et des réseaux sociaux, le marketing ne suffit plus à garantir le succès d’un film. Adam

Fogelson, d’Universal, l’a confié à l’auteur : « peu importe les moyens que vous mettez en place pour faire et vendre un film, si les gens n’aiment pas ce qu’ils voient, ils ne viendront

pas. » Et pour garder le public dans la salle, il faut lui offrir toujours plus de spectacle. Pour cela, les studios pensent avoir trouver le Graal : le numérique. LE PARADOXE DU NUMÉRIQUE

Chaque année au mois d’avril, dans un palace de Las Vegas, l’Association nationale des propriétaires de cinéma (NATO) organise le CinemaCon, où plus de 5 000 professionnels viennent partager

leur vision du cinéma dans les années à venir. Si tous sont d’accord sur un point (« Le numérique a tout changé dans la façon de produire et de sortir des films »), peu d’entre eux peuvent

se targuer de savoir de quoi seront faits les films dans dix ans. En effet, chaque année apporte son lot d’innovations et de transformations, responsables de la mutation permanente du

métier. > La 3D permet aux cinémas d’augmenter le prix des tickets, aux > majors de faire plus de recettes, et aux réalisateurs d’obtenir > de plus gros budgets pour leurs films

Aujourd’hui, on ne trouve quasiment plus de bobines dans les multiplexes, mais d’énormes disques durs où sont stockés des films qu’on peut lancer d’un seul clic sur un iPad. Ce plongeon dans

le numérique, déjà entamé il y a quelques années, est en train de bouleverser toute l’industrie du cinéma. Pour Thompson, il s’agit là d’un « changement technologique de l’ordre du séisme 

», le premier depuis l’introduction du son en 1929. C’est tout naturellement qu’est arrivé ensuite la 3D. Alors que les capacités de la télévision, d’Internet et de jeux vidéo augmentaient,

les studios ont du trouver comment améliorer leur propre offre. Et si les spectateurs (et même des réalisateurs de renom) n’ont pas été séduits par cette avancée, évoquant des lunettes

gênantes, un écran plus sombre, et un visionnage moins agréable, l’industrie a tout intérêt à continuer. La 3D permet aux cinémas d’augmenter le prix des tickets, aux majors de faire plus de

recettes, et aux réalisateurs d’obtenir de plus gros budgets pour leurs films. Mais alors qu’ils vantent régulièrement les prouesses du numérique dans la production cinématographique,

l’appréhension du numérique par les majors n’en est pas moins paradoxale. Par exemple, elles ont encore du mal à repenser la fameuse « chronologie des médias. » Le paradigme établi selon

lequel se succédaient cinéma, DVD, télévision payante, télévision gratuite, est pourtant bel et bien enterré. La VàD, le câble, et le piratage surtout, sont autant de problèmes pour les

studios, qui n’arrivent plus à contrôler leurs propres contenus. Il faut aussi savoir que, si les salles restent le lieu idéal pour un film, « sortir un film sur 3 000 écrans peut coûter 20

millions de dollars, et seulement une petite fraction de cette somme pour le sortir en VàD. » Pour des studios en quête de profit et d’économies sur les coûts de production, le calcul sera

vite fait. Selon Anne Thompson, les studios seront bien obligés « d’écouter les spectateurs » et de revoir leur modèle de fabrication et de diffusion s’ils veulent assurer leur survie dans

cette jungle numérique en constante évolution. _The $11 Billion Year_ ne fait pas que narrer une année pleine de strass et de paillettes à Hollywood-land. Le livre d’Anne Thompson tisse, en

toile de fond, le portrait d’une industrie en pleine évolution, et plus inquiète pour son avenir qu’elle ne veut bien l’admettre. Face au numérique et à la fréquentation en baisse des salles

de cinéma, Thompson ne voit qu’une solution, cinglante : _« s’adapter ou mourir. » -- _ Crédits Photo : Gage Skidmore / Flickr